钢琴
钢琴是源自西洋古典音乐中的一种键盘乐器，普遍用于独奏、重奏、伴奏等演出，用于作曲和排练音乐十分方便。弹奏者通过按下键盘上的琴键，牵动钢琴里面包着绒毡的小木槌，继而敲击钢丝弦发出声音。
钢琴被称为乐器之王。在世界各国的成千上万种古今乐器当中，现代钢琴被众多的音乐家们誉为乐器之王。这不仅是由于它的体积最大、内部结构最复杂，更主要的还是由于它优良全面的性能和广泛的用途都是其他任何乐器无法与之相比拟的。
（1）钢琴构造
①制音踏板
是英人布劳马于1783年发明，通常是钢琴下最右内侧的踏板，当制音踏板被压时下，平时压在弦上的制音器立即扬起。使所有的琴弦延续震动，将踏板放开后，所有的制音器又全部压在琴弦上制止发音。由于按下制音踏板会使琴声在一定程度上扩大，故又称强音踏板。
②柔音踏板
是一个位于钢琴底部最左则的踏板。有两种不同的作用，在平台式的钢琴里，踩下柔音踏板时，琴槌会立刻向旁推移，使它只敲三弦中之二弦，或二弦中之一弦，使音量减少，并使声音变得非常清纯、柔和。在直立式的钢琴中，踩下柔音踏板时，所有的琴槌移近琴弦，借以减轻冲力，减少打击的长度与强度，使音量变小。
③持音踏板
现代钢琴除了制音踏板及柔音踏板以外，位于中间的一根具有特殊性能的踏板。有着令声音或弦的振动持续下去的作用。但由于持音踏板使用机会少，所以现在的持音踏板的构造和作用都有所改变。大部分现代钢琴的持音踏板被踩下时，一块活动的绒布会夹在琴槌和琴弦之间，使音量变得极细和模糊。
④调音钉
是一些能够发出热能的特别装置。旋床有切口纤维，因而琴弦能牢固地绕在调音钉上，致使音质能保持下来。
⑤琴槌
外包着高品质的毛毡或绒布，由于这层“皮肤”多是羊毛造的，因而又称羊毛槌。本身连着琴键，当琴键被按下时，琴槌便会打落琴弦上并借着琴弦的振动使钢琴发出声音。作用是用来敲击被调音钉紧扣着的琴弦。
⑥制音器
制音器是与弦紧贴着，用来阻止弦的震动。例如当钢琴上的琴键被按下时，钢琴内部的琴槌会打在一条条用铜制造的琴弦上，借着琴弦的震动发出声音，制音器的作用就是在琴键按下后，阻止琴弦继续震动和发出声音，使弹在琴键上的每一个高低音都能清楚地听到。
⑦琴胆
琴胆连接着琴键和琴槌，是整部钢琴的灵魂和最重要的配件。
⑧响板
响板位于钢琴内部最后面的一块大金属钢板，连着调音钉，紧贴着琴弦，当琴弦被引发振动而发出声音时，响板会使声音产生双重共鸣，即将声音透过响板反射以及扩大出来。
⑨琴键
整个琴键都是由黑键和白键组合而成，用均质木块切割使琴键的外观十分整齐，所有的键或黑键都有着平均的大小，并且高度相仿，不会令琴键的外观感到起伏不平，黑键和白键都是经过严格的重量以及平衡检测，使弹琴的动作达到平滑的效果。
钢琴共有88个键盘，包括黑建和白建，下排是白键，上排是黑键，在88个键里，白键占的多，大部分是白键，白键是全音，黑键是半音。
在钢琴內部构造上是以琴槌击弦，才能发出美妙的声音，只要把钢琴上的盖子打开，顺便叫一个人帮忙按一个键盘，再往钢琴內部看去，就会看到有一个琴槌在击弦，假如连续按很多键，琴槌会随著键盘按下去的那剎间，跟著击弦，钢琴就会发出美妙的声音了！
（2）钢琴练习的坐姿
坐时，身体的重心要依靠臀部和脚尖支撑。一般来说，弹奏者只应坐到凳子的1／3左右的地方，不要把座位都坐满，或把身子靠在椅背上。上身直立，腰不要塌陷，这样，弹奏者可以从腰或者更下一些部位用上力量，上身略向前倾，使重心略靠前，便于将力量向前传送至手指。
座位的高低，要根据弹奏者的高矮来决定，原则是肘、前臂、手，手与键盘保持一个相同的水平高度，或略高于键盘。座位的远近，也要视弹奏者的胳膊的长短来决定，要使在弹奏时，胳膊可以自如的移动。
一个小小的技巧，坐在钢琴前，将两臂在自然放松的情况下向前伸，两手握在一起，使两臂形成一个椭圆形，轻轻放下。如果正好落在白键上，这个座位的远近就是比较合适的拉。脚的位置，一般可以放在踏板附近，这个位置比较适合于演奏，也有利于使用踏板。
（3）钢琴指法练习
①五指指关节的站立
手腕与黑键键面基本保持在一个水平高度，掌关节站好并略突起，使手掌成拱形。保持手型，主要靠大指和小指的支撑，这两个手指的形状和位置不同于其他手指，大指短而粗，小指细而小，都位于手掌的外侧，容易躺着触键，致使手型七扭八歪。如果能支撑站立好，那么基本手型也就容易保持。
下臂弯曲，以肘部到第三指尖为轴心线做回转动作。掌部保持和弦弹奏的姿势，五指伸展，仿佛持一大圆圈。动作应该柔软、缓慢，回转幅度相当于1／8的圆周。最重要的是使手臂动作始终围绕着想象的轴心线进行。
②手心向内，腕部上下活动
轻轻握拳，拇指放拳内，但不要使其余各指紧压着它，然后用力伸开手指，使其往后展，初期练习可做数十次，以后可逐渐增加次数，手指伸展和握拢所用力量要相等。只是在伸展手指是使用力量，而握拢时只靠惯性，要注意使动作不至于分为两部分。这称之为“三重练习”。
③手臂工作训练与手臂划圆圈动作
同时进行，可为连奏做准备工作，因为正式在连奏中手指进行积极弹奏的同时整个手臂进行大幅度的同意动作，此外，本练习还可培养各种动作的总体协调性。
首先用指尖弹击第一关节的指根，然后弹击手掌中部，最后弹击手掌的下部。手指不应并紧，但也不要互相分开。手指抬起的程度要正好适于进行下一个动作的需要，双手同时练习，也可加上手臂的划圆圈动作。
④五指伸直，合理散开并略略伸展
拇指的第一和第二关节，其余各指的第二和第三关节弯曲成90度。注意三重练习，只能双手同时进行，可加上手臂划圆圈动作。第五指弯曲，尽可能地接近腕部，接触手掌、然后指尖沿手掌磨擦而过，直至手指部，其余各指依次做此动作。
左手四指并紧，右手各指与手各指编制在一起，使左手的第三和第五指在上面，第二和第四指在下面，然后迅速地更换手指，使第二指和第四指在上面，第三指和第五指在下面。
要注意使右手拇指始终在左手拇指下面，否则将妨碍各手指的迅速更换，左手也是如此，本练习初期可做得缓慢，只可做数次。当已经掌握较快的速度时，两手可各做40次至50次。本练习能很好地为弹奏交替三度做准备。
⑤手指沿手掌通过，然后猛然地张开
本练习可以加上手臂的划圆圈动作，轮流使每个手指向侧面张开，距离尽可能张大。本练习可连续反复多次，但不得使手指过度疲劳。
⑥各指靠拢，然后使第三和第四指分开
与上一个练习相同，只是使第二指、第三指和第四指、第五指分开，而第三指和第四指并拢。
逐个使各指在第二关节处弯曲成直角。如果注意力高度集中，第二关节可达到异常坚实的程度，第三关节则相反，十分松弛，假如用另一只手的手指击它，只是震抖几下之后又归复原处。
⑦轮流使各手指在第三关节上弯曲
要做到这一点不可能不使第二关节弯曲，甚至其余各指也都可能弯曲。弯曲度不应超过50度至60度，因为超过这个角度就不可能把注意力集中在第三关节上。
逐个将手指从第一关节上抬起。要获得这样的感觉，仿佛手指是用拴在指尖上的线提起似的。动作时全部注意力只集中在指尖上，手指的第一关节完全放松。将手指尖抬起后，立即将它“扔掉”，仿佛是线断了一样。必须是扔掉，而不是使其弹击。本练习的目的在于抬指时产生这样的感觉，仿佛手指是一个整体。
（4）怎样有效练琴
第一，要树立这样的观念，“练琴是一种具有吸引力的、有趣味的活动，练琴可以获得奋进的快乐”，要从内心深处愿意进行这项活动。
第二，在练琴前先整理一下思想，如果发现确有什么急事需要办理，应该放下琴立即去办，这样虽然会占用一部分“琴点”，但可以使练琴更加聚精会神，效果会更好。
第三，练琴要有明确的目的，尽量避免一遍又一遍盲目地“过”曲子。对于乐曲中的难点要单独抽出来加以重点训练，而容易演奏的段落则不必多费时间。此外，练琴一定要由浅入深，宁慢勿错，尽量减少错误的发生次数。并注意动作自始至终要用意识来控制，不可放任自流。
第四，练习的目的要简单明了，一次达到一个目标，有过多次练习目的反而会顾此失彼，事倍功半。
第五，提倡看谱练习，并在谱上做各种要求的标注。这样可充分开发视觉器官的作用，达到练习的多感觉刺激。
第六，当练琴终有了新的体会时，要立即用语言描述出来，这样才有利于记忆，使飘忽不定的感觉从第一信号系统感知觉进入到第二信号系统语言，使记忆有牢固的物质基础。如能大声地复述几次，增加强化的次数和强度，会记得更加牢固。
第七，当遇到久攻不下的难点时，切记不可急噪。此时需要从各个不同的角度仔细分析，找出关键所在。或请教一下专家，或换一种练习方法，再不就干脆暂时放一放，过一阶段再说。随着水平的提高或受到某件事情的启迪总会使问题迎韧而解。
第八，合理分配练习时间。每次练琴的时间不宜过长，要注意练习中的小间歇，在休息中最好做些和音乐无关的活动。每个人的练琴饱和量各不相同，一般以练琴后不感疲劳、厌烦或肌肉酸疼为宜。
第九，在无法保证充足的练习时间时，可根据情况，每天抽空练习20分钟至30分钟左右，就可保证演奏技术不倒退。
第十，要培养开朗的性格、艺术家的气质，加强文化修养和素质，这样才能在琴技上达到更高的境界。
第十一，善于“蜕变”，在学习道路上，过一阶段就会因自己的观念，习惯等因素而形成一种艺术上的“外壳”，它使演奏缺乏新意，防碍专业上的进步。此时，就要开动脑筋，寻找突破口，更新观念，改变习惯，像蝉一样不断蜕掉“外壳”，实现一次次飞跃和更生。
（5）有效重复练习
①重复重点
一首乐曲或练习曲里总有几处难点觉得演奏起来非常吃力，这些难点部分就是练琴中需要重点重复的地方。练琴和干工作一样，抓住主要问题，解决主要矛盾。每次练琴时要重点重复某一乐句或某一乐段，这样的练要比将一首乐曲从头拉到尾的效果好得多，既省时又增效，是一种事半功倍的好办法。
②重复正确的东西
练琴过程中要有细心和耐心。在重复训练某一乐句或某一乐段时，应尽可能少出现错误。人的大脑从训练的开始就接收正确的信号，有助于增强演奏的准确性。反之，大脑中经常接收错误的信号，就容易潜伏错误痕迹，在应用时往往会出现演奏失误。不熟悉的地方，可以用最慢的速度重复，这样可以减少失误。当这个地方练熟后再逐渐加速。
③利用多种有效的方法重复
训练方法的多样性非常重要。一个健康的人体内需要多种养分，营养过分单一会导致身体的某一方面出问题。要保证身体的健康，应吸收多种营养来维持人的需要。练琴也是如此，也应吸收“多种营养”，用尽可能多的方法训练，以达到最佳的训练效果。
比如速度上的变化包括快速、中速、慢速、极慢速；力度上的变化包括用大力度、中力度、小力度；手指动作大小的变化等；以增强手指的各种能力。只用一种方法重复会出现消极作用，重复的过程，应是不断调剂的过程，重复中应尽量求得变化，方法的多样化对于技术的全面发展会起到至关重要的作用。
（6）循序渐进的练习方法
学会无琴练习建立心中有琴。钢琴大师罗宾斯坦罗的邻居，见到他佩服地说：“你真不愧是伟大的钢琴家，每天都要练习8个小时以上。”
罗宾斯坦罗回答说：“你错了，我每天24个小时都在练琴。”
是的，练琴可以分为两种方式：有琴练习和无琴练习。
我国古代也有陶渊明演奏无弦琴的历史典故，当然，要做到无琴练习，首先必须是心中有音乐，脑子里装有器乐。我们留心就可以发现，很多乐器上有造诣者他们的手指无时无刻都在动，身体的任何部位都变成了乐器，桌子、椅子都变成了键盘。
一个坚持业余学琴多年的高中生依然取得了很好的成绩，在他和老师的交流中说：“课间我在课桌上可以练琴，放学路上我哼着学习曲子，练琴的时候我是在寻找平时想要的声音效果。”这样的练琴方式大大提高了练琴的效果。
①以快速练习发现问题慢速练习解决问题
几乎所有的练习曲或者乐曲中，都会或多或少的存在不同的难点。一味的用一个速度是不会解决这些问题的，必须用一些步骤和手段进行突破，而重要的手段之一就是速度的变化练习。单纯的从技术而言，假设5个手指都像二指这样灵活、都像大拇指那样有力的话，可能就不存在技术上的难点了。
但恰恰相反，在键盘上还要让双手的配合再次出现难点，没有力量的指头要弹奏重要声部，而有力量的手指一般的情况下却是完成伴奏声部。单从基本练习来看双手五指的过程中不断的变化速度，发现他们之间的问题、解决这些生理上造成的问题。
对于钢琴技术而言，速度和力度是永远都解决不了的矛盾，要通过慢练习寻找理想的声音是必不可少的阶段，但慢练习远远不能达到音乐本身的要求，还必须往返进行各种速度，如中速、快速甚至是更细微的速度变化练习，不断调整各部位的松紧关系才会达到理想的速度要求。当然，真正的慢速和快速是一个演奏者技术能力的最佳体现。
②“密林寻宝”式的练习提高练琴质量
假如有一群伙伴出外郊游，走的是同一路线，去的是同一地点，回来的感触也决不是相同的。有的人会说：“荒山野林没有什么意思。”可是有的人却拣回了别致的树枝儿、奇特的树叶，还有很具有观赏价值的石头等。钢琴的练习也是这样需要用心的去发现。音乐作品的表达除了通过速度的变化来寻找，还必须要做到分手、分段、分声部来仔细探究。
（7）分手练习
如果我们设想在钢琴演奏中有一只手不能正常给予配合，或者是双手互相凑合起来相互关照，这样的音乐作品一定是一堆“乱草”，到头来还要浪费大量时间重复练习。
钢琴弹奏是以良好的单手弹奏为基础的，单手练习并非只为了读谱的准确，还要从解决问题的角度出发，换个说法应是为了寻找合理的声音，通过声音表现合理的音乐。
音乐进行的方向应该是横向的，而不应该是上下对位的纵向关系。分手练习是练习一件钢琴作品的重要环节，只有左右手具有独立演奏能力，然后通过双手协调配合的大量练习才能够完整的驾驭一首音乐作品。
（8）分段练习
任何一件钢琴作品都会有其或深或浅的难点，但在一定程度的基础上也不可能全部是难点。技术上的难点有可能只是几个段落或者几个小节，如果用一种从头至尾反复的来回练习，那就会大量的浪费时间。
解决这些难点的方法除了进行分手练习之外，还需要把难点抽出来分段、分节的练习，使其速度、力度、音乐表现与其他段落统一，然后进行其前后的衔接训练，最终达到音乐作品完整的目的。
（9）钢琴练习16字诀
①分合分合
就是在弹奏新乐曲时，一般要先单手——后双手——再单手——再双手这样的反复多次的练习。分手练习能集中地体会弹奏方法是否正确，也容易注意到乐曲的各个方面。在分手练习准确、熟练的基础上，双手弹奏时，运用正确的弹奏方法，尽量把音乐处理得比较完整。
对于初学者要注意左右手的力度层次，一般情况下要突出主旋律。单、双手练习之后，再分手弹奏也很重要，因为通过一段时间的双手练习，对于弹奏方法和乐曲的处理，肯定不会表现全面。所以再次单手练习时，还需要集中注意力，争取更加准确、细致地表现乐曲。对于复调音乐作品，仅仅分手练习还不够，还要进行分声部练习。
②零整零整
就是在练琴时，从部分——整体——再部分——再整体地反复多次练习。零有两个含义，首先开始练习时，要把乐曲划分为段落，练熟一段才能练下一段，直至练完全曲为止，千万不能从头至尾总是一遍一遍地弹，表面上节省了时间，其实到头来是一无所获。
要针对自己最薄弱的地方有目的地加强训练。之后，再完整地弹奏乐曲。如再发现不足还要集中进行训练，这样反复数次，难点克服了，就意味着有了长足的进步。
③慢快慢快
就是在练习时，按照慢速——快速——再慢速——再快速这一规律进行反复练习。慢练既可以纠正技术上的不足，还可以注意到乐谱上的音符、对位、指法、表情记号等。一味地快速练习，会使手变得很僵硬。在弹奏是极容易造成吃音、虚音的毛病。
所以，一定要先慢练等到弹熟后再快速弹奏，之后还要进行更高层次的慢练，之后的慢是为了更好地快。所以要记住：不会慢练琴就不会弹琴。
④看谱背谱
就是在弹奏乐曲时，通过看谱——背谱——再看谱——再背谱这样反复练习，达到完美表现音乐的目的。
看谱演奏能更容易注意乐曲的各个方面，在把乐曲弹奏熟练的基础上，为了达到表现音乐的更高境界，还需要背谱演奏。一味地看谱，不容易做到音乐的融会贯通；一味地背谱，随着时间的推移，更不容易把音乐表现完美。要反复多次地看谱练习和背谱练习，做到技巧上的准确无误和更好地再现作曲家真实的艺术风格。
小提琴
（1）小提琴概述
小提琴是西洋乐器中的一种弓弦乐器，一般称为弦乐器。小提琴是一件十分完美的独奏乐器，音色优美、音域宽广、表现力丰富，既能奏出悦耳动听的旋律，也能奏出铿锵有力的和弦，华丽迷人，所以很早以前人们就称为西洋乐器中的“皇后”。
在交响乐队中，常被用作主要的旋律乐器，作用十分突出。它也常用于各种重奏、伴奏以及与我国的民族乐器混合使用。
（2）小提琴的简单介绍
小提琴不仅是管弦乐队中最重要的乐器，同样在室内乐，民谣乐，爵士乐等领域散发其迷人的魅力。因为它是多才多艺的，既能唱出悠扬如诗般的曲调，有时又让人感到耳花缭乱。
小提琴属于弦乐器，音域至少3个8度，琴身由木材制成，琴弦则由纯钢制成。长度是多种多样的，但琴身常在36厘米左右。小提琴是4根弦的乐器，通过琴弦振动发声，现代的小提琴源于16世纪欧洲早期的四弦琴。意大利的小提琴是世界上最好的，特别是阿马提家族的。在小提琴制造的过程中，琴弦要经受7.7千克向下的重力。
现代的管弦乐团通常有大约有24把小提琴，分成第一小提琴和第二小提琴两个部分，在演出中小提琴的任务要比任何其他乐器都重。发音清澈脱俗，经常与其他的乐器形成鲜明对照。
（3）小提琴选购要点
目前我国出售的小提琴，分为专业及普通使用两种，儿童小提琴属于后者。选择小提琴要注意以下几点：
①音响
包括声音和音色。要求音色纯净、清晰、悦耳、音量大、高音明亮，低音深厚而不闷，四条弦声音匀衡，共鸣时间长。
②颜色
这没有统一标准。多为红色、红棕色、金黄色、黄色等，但均应要求美观悦目而不褪颜色。表面光滑清洁，不含杂质。
③形状
琴头，琴身要正、直，不偏歪，左右匀称等。面板要求文理正直，左右弧度一致。背板要求花纹美观，密度适宜，纹理对称；整板或两板合起的都可以；左右弧度对称。两“F”孔要求大小一致，长短相同，中间尖口一样；两孔左右对称。
黑白线要求曲线自然，不折断，接头看不出来；琴角黑白线要有蜂针。琴头要和背板花纹相同。指板要求与琴头胶合得好而且平直。弦轴孔要求与弦轴倾斜一致，吻合。马子要求纹理好，雕刻细致，左右对称；马脚与面板弧度吻合。
（4）小提琴的保养
梅雨季节应适当将琴弦放松，弦轴受潮拧不动时不可强拧，应待其干燥后再拧。琴身上不可积松香和尘土，取琴时要握琴脖。皮制琴弦忌干燥，要保持其油性；金属琴弦则应放于干燥处。
经常使用的琴，弦定紧后不必放松。琴弓不用时不可上得太紧，以免失去弹性。提琴不用时应用布套或盒装起来，以防落入灰尘。受潮而出现白色斑点，应用湿毛巾擦拭，然后涂上一层白蜡，再用绒布擦亮。
（5）琴身的保护
小提琴用过之后，应该用一块干而软的布揩去指板、琴弦及琴身上的松香末，以免其久积在琴上影响发音及演奏的便利。
小提琴在使用较长时间后，琴腹中会积聚不少灰尘与松香末，故每隔相当时间应清除一次。方法是将一把洗净晾干的米粒从音孔撒入琴腹，前后左右摇晃琴身，然后将沾了灰尘的米粒倒出即可。
（6）弓的保护
弓用过之后应揩去弓杆上的松香末，并将弓毛放松，以保持弓杆的清洁及弹性。用弓时弓毛的松紧度要适中。拧得太紧有损于弓的弹性，演奏起来也不灵便；太松，稍加压力毛就帖在弓杆上会影响发音，并且不便于拉奏。
（7）调整琴弓的适度松紧
学小提琴弓要绷的多紧才是适当的呢？在诠释曲子当用到G弦，又想要在G弦上发出声量，此时就是弓承受最大压力的时候，在这个点上，弓必须绷紧到不被最大压力压至弓身碰到弓毛。当做跳弓动作，瞬间弓身弹力解放再回到弦上时，弓身不会碰到弓毛的紧绷程度就是所需要的。
要达到上述两点要求，有的弓依然是弯曲状态，有的弓却绷得弓身与弓毛成为平行状态，这明显的显示了弓身的张力。有力气的弓在弯曲的状态就能得到要求的张力，没力气的弓却要将弓身与弓毛拉的很开才有张力。弓身与弓毛的距离越小，触弦的感觉越清楚，距离越大越模糊，尤其在跳弓时其中的差别就会非常明显。
三弦
又称“弦子”，我国传统弹拨乐器。柄很长，音箱方形，两面蒙皮，弦3根，侧抱于怀演奏。音色粗犷、豪放。可以独奏、合奏或伴奏，普遍用于民族器乐、戏曲音乐和说唱音乐。
（1）音量和技巧
三弦的音量较大，音色浑厚，变化的幅度较大。分小三弦与大三弦两种。北方各种大鼓、单弦等曲艺，多用大三弦伴奏，南方的弹词类曲艺、昆曲等剧种和丝竹类器乐合奏，多用小三弦。三弦的演奏技巧很多，有弹、挑、双弹、双挑、扫、轮、搓等。
（2）三弦的构造
三弦的构造较简单，可分为琴头、琴杆和琴鼓三部分，由琴头、弦轴、山口、琴杆、鼓框、皮膜、琴马和琴弦等组成。多呈铲形，是三弦的装饰部分，一般都嵌有骨花或雕出纹饰，中间开出弦槽，槽侧开有弦轴孔，3个弦轴置于琴头两侧。
琴杆为半圆形的柱状体，平滑的表面是三弦的指板，上端嵌有山口，下端呈方形插入琴鼓中。琴鼓又叫鼓子或鼓头，是三弦的共鸣箱，它是在略带椭圆形的鼓框上两面蒙以蟒皮而成。琴马置于蟒皮中央。
琴弦使用丝弦或钢丝弦，从高音弦起依次为外弦、中弦和内弦，外弦用子弦，中弦用二弦，内弦用老弦。3根琴弦的一端都系在琴鼓下面的菱形木壳上，另一端分别卷绕在3个弦轴上。
（3）三弦的制作
琴鼓两面蒙皮可用蟒皮、青花白地者最佳。指板的工艺直接关系到三弦的发音和使用，其长度决定有效弦长；宽度影响到演奏技巧的发挥；厚度涉及变形问题。山口至下端的凹形槽，关系到演奏时的力度变化，并能防止出沙音。
琴头是三弦的装饰部分，上部多为扁铲形，顶端较宽并向后呈弧形弯曲，其上雕刻花纹或镶嵌骨饰，也有上部为如意形，雕饰大顶花，下部中间开有长方形通底弦槽。弦轴呈圆锥体，用红木、花梨等比琴杆稍硬木料制成。
（4）小三弦
小三弦，分称“曲弦”和“评弹小三弦”。曲弦因以前伴奏古典戏曲昆曲而得名，现流传在南方，所以也有南弦之称。是高音乐器，音色明亮而清脆。适于为昆曲、京剧、豫剧等地方戏曲伴奏。
评弹小三弦多用于南方的评弹等说唱音乐的伴奏和江南丝竹、十番鼓、十番锣鼓等器乐合奏，虽同属小三弦，广东音乐、昆曲和苏州评弹中所用的又都有差异，分别适应于各自的特色。
（5）大三弦
大三弦，又称“书弦”或“大鼓三弦”，是蒙古、满、汉等族弹弦乐器。大三弦有3根弦，有指板；用左手按弦，右手拇指、食指带假指甲演奏。
①定弦、音域与音色
大三弦可随演奏乐曲的调定弦，最低可定为D、A、d；最高可定为G、d、g。无论哪种定弦，音域都有三个8度，按实际音高记谱。大三弦音色苍劲、雄厚，细腻而丰富，穿透力较强，个性突出。
②转调
定好一种弦后，可较方便地演奏4个宫系的调，熟练的演奏员还可做更多的转调。定弦D、A、d，可奏D、G、C、F4个调。其他A、（b）B、（b）E也能演奏，但难度较大。定弦G、d、g，可奏G、C、F、（b）B的4个调，其他D、（b）E、（b）A的3个调难度较大。
③演奏技巧
大三弦演奏技巧及其符号标记与琵琶基本相同。如左手的进、退，有时也用打、带起、揉、推、拉、擞、泛音等技巧；右手的弹、挑、滚、双弹、④双挑、分、划等技巧。
吉他
（1）吉他的种类
现代吉他是一个大家族，按照其外型、构造及演奏方法的不同，常分为以下几类：
①古典吉他
被誉为同钢琴、小提琴并列的世界三大乐器之一。在指板上由弦枕到琴柄与琴箱结合处是12品格，指板较宽，使用尼龙弦，音质纯厚。主要用于演奏古典乐曲，从演奏姿势到手指角弦都有严格要求，技巧精深，被认为是吉他艺术的最高形式。
②民谣吉他
吉他家族中最平民化的成员。在指板上由弦枕到琴柄与琴箱结合处是14品格，指板较窄，使用钢弦，声音清脆明亮。主要用于给歌唱者伴奏，适用于乡村、民谣及现代音乐，演奏形式较为轻松、随意。
③佛拉门哥吉他
西班牙民族乐器。外形与古典吉他基本相同，面板上由有护板，使用尼龙弦，但音色较古典吉他硬脆。用于演奏西班牙民间音乐，节奏复杂，技巧丰富，后流传世界各地，成为一种风格鲜明的具有西班牙民族风格的世界性乐器。
④夏威夷吉他
传统的夏威夷吉他外形类似于古典吉他，使用钢丝弦。演奏时平放在腿上，一手持金属滑棒按弦，另一只手带金属指套拨弦，音色华丽，是一种擅长表现旋律的乐器。
⑤爵士吉他
同电吉他与民谣吉他，爵士琴一般都是使用带共鸣箱的电吉他，这样的电琴在音色调整上，音色效果靠后，成为厚重柔软的音色。
（2）吉他的学习
建议如果是初学者的话最好不要急着去弹大曲子，最好先打好基本功。一个十分重要的事情就是开手，用右手在左手的每两个手指间用力向两边分，这个是弹琴之前一个必要的工作。
首先是左右手的配合，可以从爬格子开始，不要图快，可以从慢速开始，但是要开着节拍器，速度不是最重要的，最重要的是左右手的配合和节拍的准确还有弹琴身体和手的姿势一定要正确，如果一开始没有养成良好的习惯等将来再改，是非常非常困难的。
然后就可以练习一下手指的独立性，这个是很重要的，练起来也比较辛苦，但是一定要记住，当手指累了，就马上停下来，不要继续练下去，避免肌肉拉伤。还有，有时候当一个练习片段练了很久还是没有攻下，可以先放一放，练习一下其他的，再回来练这个片段，相信会轻松很多。
柳琴
典型的琵琶类弹拨乐器，外形及构造与琵琶相似，但比琵琶要小，通体长约65厘米，用柳木制作，四弦，形如柳叶，故又名柳叶琴。别名“柳月琴”、“土琵琶”、“金刚腿”等。演奏方法与琵琶类似，只是右手用拨子弹奏。
最早的柳琴，构造较简单，只有两条丝弦，音域很窄，仅有一个半8度，还不便转调。当时的琴体较大，演奏时有一竹筒套在食指上，用拇指捏紧，靠手腕甩动而拨弦发音，演奏形式别具一格。后以竹套质脆易裂，使用挖空的牛角圆筒代替。
在民乐队中，柳琴是弹拨乐器的高音乐器，其音响效果独特，不易被其他乐器所掩盖，常用来演奏高音区的主旋律，有时也演奏华丽、技巧性高的华彩乐段。既适于演奏欢快、对比强烈、节奏鲜明、富有弹性和活泼的曲调，也适于演奏优美、抒情的旋律，在乐队中能与琵琶、阮、筝和二胡等乐器和谐默契地合作。
演奏柳琴时，奏者端坐，将琴斜置于胸前，左手持琴按弦，右手执拨弹奏。琴拔多由赛璐珞片、塑料片或牛角等材料，制成三角形、四边形或长条形。以用0.7毫米厚的赛璐珞片制成边长30毫米的三角形投片为好，有着不掉粉末、软硬适度、富于弹性、便于控制等优点。
还应将拔片每边的右侧磨簿些，以使发音清脆、洁净。柳琴拨片同拉弦乐器的琴弓一样重要，对演奏的力度、速度和音色变化有直接关系，道常将拨片的2／3夹于拇指和食指第一关节之间，用露出的1／3弹拨琴弦。
柳琴的演奏技巧，右手有弹、挑、双弹、双挑、扫拂和轮奏等，左手有吟弦、打弦、带弦、推拉弦和泛音等，其指法符号均与琵琶的指法符号相同。柳琴可以演奏各种度数的和音与和弦。自然泛音灵敏清晰、效果良好。震音奏法也具特色，强奏时紧张、热烈；弱奏时安静、甜美。