中国古代雕塑是意象性的，注重“以形写神”，因此注重头部的刻画。优秀的作品常常把人们的注意力，吸引到刻画精彩的头部来。这些头部看似没有西方雕塑深入，可是结构十分严谨，另有一种完美性。在头部以外，又用充满韵律的身体衣纹线条来发挥美感，使人受感染的不是比例结构的准确本事，而是传神美化的功夫。
中国古代造型艺术追求含蓄美、内在美。所以，中国古代雕塑给人的感觉不像西方古典雕塑那样一览之下，历历在目，而是神龙露首不露尾、含不尽之意于象外。没有剑拔弩张，向外张扬的火气，而是将力量包裹在内部，给人更多品尝的余味。
此外，中国古代雕塑风格往往体现了中国古代哲学精神。儒家哲学尊天命，受其影响，中国艺术反映为崇高、庄严、壮丽、重穆、典雅等等风格。道家哲学崇自然，在艺术上则表现为飘逸、雄浑、淳厚、古朴、淡泊、天真、稚拙等等风格。
兵马俑的艺术
秦始皇兵马俑被誉为“世界第八大奇迹”，“二十世纪考古史的最为壮观的发现”。秦始皇兵马俑规模宏大、编排精细，就从艺术角度看，它体现出了较高的艺术水准，堪称艺术精品。总体而言，其艺术特色可概括为：雕刻手法写实，注重细节刻画。
秦始皇兵马俑的艺术特点之一：高度的写实性。秦始皇兵马俑所展现的军队阵容是按照当时秦军的实况设计的，所以其中的秦俑、陶马、车也是按实物大小制成，带有明显的肖像性和写生性的特征。
艺术特点之二：传神。秦兵马俑的写实并不只是简单地按照现实摹刻下来，而是经过了艺术的处理。造型刻画不仅实现了“形似”，而且达到了“神似”。秦俑的头部刻画得最为精致，有的眉宇凝聚，端庄肃穆；有的面庞清秀，微微含笑；有的带有皱纹，一脸老成……秦俑的传神特征还通过艺术的夸张和提炼表现，它的刻画不是追求细枝末节，而是抓住了关键的部位进行艺术处理。
艺术特点之三：艺术技巧灵活多样。秦俑的刻画并不是单一的，而是运用了多种多样的艺术技巧。对比就是其中之一，如刻画细微的铠甲和简洁的下身衣纹，精致的五官、发式和简单的躯体。这些对比处理出于整体效果的统一，使形象既简洁又丰富，在朴拙中见精致，局部精细但不失整体的气势。
艺术特点之四：秦俑是圆雕、浮雕、线雕的统一体。运用塑、堆、捏、贴、刻、画等民间常用的传统技法，成功地塑造出生动的勇士形象。每一个陶俑和陶马都是完整的统一体，可谓多种的刻画手段集于一身。
艺术特点之五：兵马俑的本来面目其实是彩绘的，颜色的种类有红、绿、蓝、白、黑、黄等多种。秦兵马俑身上所绘的颜色并不是简单的千篇一律，而是经过严格的色彩配置，体现出整体的色彩效果。一般来说，兵俑大多是红色上衣配绿色或蓝色下衣，手和脸多用粉红，衣袖衣领多用绿色或赭石色，铠甲的甲钉多用黑色，连接甲片的线多用红色，这些都是有一定规律和样式。这种绘塑结合的艺术技巧，成为雕塑技法的补充手段，是秦俑丰富的艺术表现力中不可或缺的重要一笔。
秦俑艺术在中国古代雕塑史上的地位是重要的，它是前代艺术传统的继承和发展，又深刻影响着后世雕塑艺术的产生和发展。
编钟
编钟是我国古代的一种重要的打击乐器，用青铜铸成，是钟的一种。编钟由若干个大小不同的钟有次序地悬挂在木架上编成一组或几组，每个钟敲击的音高各不相同。由于年代不同，编钟的形状也不尽相同，但钟身都绘有精美的图案。用丁字形的木锤和长形的棒分别敲打铜钟，能发出不同的乐音，因为每个钟的音调不同，按音谱敲打，可以演奏出美妙的乐曲。
师旷
我国古代晋国著名音乐家，字子野。冀州南和（今河北省南部）人。活动时期在公元前572－前532年，晋悼公、晋平公执政时期。当时地位最高的音乐家名字前常冠以“师”字，“师旷”之称即由此而来。
师旷天生眼盲，音乐知识非常丰富，不仅熟悉琴曲，并善用琴声表现自然界的音响，描绘飞鸟飞行的优美姿态和鸣叫。听力超群，有很强的辨音能力。汉代以前的文献常以他代表音感特别敏锐的人。
到晚年时，师旷已精通星算音律，撰述了《宝符》100卷，在明、清的琴谱中，《阳春》、《白雪》、《玄默》等曲解题为师旷所作。
师旷有非凡的音乐才华，但却比较保守。晋平公喜欢新声，师旷攻击新声是“靡靡之音”、“亡国之音”。师旷认为可以通过音乐来传播德行。师旷一生均在宫中生活，但他的地位却不同于一般乐工，对政治有自己的见解。师旷甚至曾用琴撞击晋平公，以规劝晋平公勿沉湎于个人享受。
在后世的传说中，他被演化成音乐之神、顺风耳的原型，及瞎子算命的祖师等。
五音十二律
五音也称“五声”，即我国古代五声音阶中的宫、商、角、徵（zhi）、羽五个音级。五音与古代的所谓阴阳五行、五味、五色、五官、五谷等朴素的理论形式一样，是我国早期整体化的美学观，被西方人看作是整个东方音乐的基本形态。《战国策·荆轲刺秦王》：“高渐离击筑，荆轲和而歌，为变徵之声，士皆垂泪涕泣。”文中的“变徵”是角、徵二音之间接近徵音的声音，声调悲凉。
十二律是古代乐律学名词，也是古代的定音方法。即用三分损益法将一个八度分为十二个不完全相同的半音的一种律制。各律从低到高依次为：黄钟、大吕、太簇、夹种、姑洗、仲吕、蕤宾、林钟、夷则、南吕、无射、应钟。十二律又分为阴阳两类，属奇数的六种律称阳律，属偶数的六种律称阴律。另外，奇数各律称“律”，偶数各律称“吕”，故十二律又简称“律吕”。
《春江花月夜》
《春江花月夜》是中国古典十大名曲之一，原来是一首琵琶独奏曲，名《夕阳箫鼓》（又名《夕阳箫歌》，亦名《浔阳琵琶》、《浔阳夜月》、《浔阳曲》）。相传为陈后主（陈叔宝）所创，原词已佚。隋炀帝、温庭筠等都曾作此曲。唐代张若虚所作的《春江花月夜》最为出名。
约在1925年，《春江花月夜》首次被改编成民族管弦乐曲。解放后，又经多人整理改编，更臻完善，深为国内外听众珍爱。
乐曲通过委婉质朴的旋律，流畅多变的节奏，巧妙细腻的配器，丝丝入扣的演奏，形象地描绘了月夜春江的迷人景色，尽情赞颂江南水乡的风姿异态。全曲就像一幅工笔精细、色彩柔和、清丽淡雅的山水长卷，引人入胜。
《霓裳羽衣曲》
《霓裳羽衣曲》，简称《霓裳》，是唐代著名的歌舞大曲，描写了唐玄宗向往神仙，见到了仙女的神话故事。
关于《霓裳羽衣曲》的作者，历史上早有定论，是唐朝玄宗皇帝。然而，唐玄宗创作《霓裳羽衣曲》音乐的过程，却一直是个不解之谜。
有人认为，《霓裳羽衣曲》，本名《婆罗门曲》，为西凉节度使杨敬术所献。唐玄宗只是对此曲稍加润色并配以歌词而已，再改用今名《霓裳羽衣曲》。乐府诗《婆罗门》诗序云：“商调曲，开元中西凉节度使杨敬述进，天宝十三载（745 年）改为《霓裳羽衣》。”
还有人认为，玄宗登三乡驿望女儿山回来后，只用了此曲的前半部分，后来有幸吸收了杨敬述所献的《婆罗门曲》后才得以续成全曲。
还有人认为，此曲是唐玄宗登三乡驿望女儿山回宫之后，依据他对女儿山的神奇想像写成的。《霓裳羽衣曲》另外的音乐则是外来音乐的改编曲调，而外来音乐乃是取自印度的佛曲，用它来表现中国道教的神仙故事，而不是所谓的《婆罗门曲》。
《霓裳羽衣曲》的创作过程，说法历来不一，孰是孰非目前尚难定论。白居易有首诗，对此曲的演唱作了详尽的描述。
《十面埋伏》
著名传统琵琶大套武曲，又名《睢阳平楚》。《十面埋伏》在17世纪，甚至更早就有了，但产生的准确年代，还待考证。明代后期已在民间流传。乐曲描写公元前202年楚汉战争在垓下最后决战之情景，故事性极强。乐曲运用琵琶特有的表现技巧，表现古代战争中干军万马冲锋陷阵之势，十分生动。
《汉宫秋月》
相传汉武帝时陈皇后失宠，幽居长门宫，以千两黄金，求得司马相如作《长门赋》，以期重获汉武帝的宠幸。“忽寝寐而梦想兮，魄若君之在旁。夜曼曼其若岁兮，怀郁郁其不可再更。妾人窃自悲兮，究年岁而不敢忘。”于是，有《长门怨》古乐曲，《汉宫秋月》为其一。
《汉宫秋月》原为崇明派琵琶曲，现流传有多种谱本及演奏形式，由一种乐器曲谱演变成不同谱本，且运用各自的艺术手段再创造，以塑造不同的音乐形象，这是民间器乐在流传中常见的情况。《汉宫秋月》现流传的演奏形式有二胡曲、琵琶曲、筝曲、江南丝竹等。主要表达的是古代宫女哀怨悲愁的情绪及一种无可奈何、寂寥清冷的生命意境。
《高山流水》
古琴曲，据《神奇秘谱》解题：高山、流水二曲，本只一曲，初志在乎高山，言仁者乐山之意。后志在乎流水，言智者乐水之意。
按《琴史》所载，列子云：“伯牙善鼓琴，钟子期善听。伯牙志在高山，钟子期曰：‘巍巍乎，若泰山。’伯牙之志在流水，钟子期曰：‘洋洋乎，若江海。’伯牙所念，子期心明。伯牙曰：‘善哉，子之心而与吾心同也。’子期既死，伯牙绝弦，终身不复鼓也。”故有高山流水之曲。
《高山流水》是一曲壮丽河山的颂歌，形象生动，气势磅礴，听后使人心旷神怡，激起一种进取的精神。
《二泉映月》
《二泉映月》是我国著名的民间盲艺人华彦钧（小名阿炳）的传世之作。这首乐曲从最初无标题不定型的音乐片段到构成完整的作品，经过了很长的年代。它是阿炳在旧社会流浪卖艺的过程中，结合自己坎坷的一生，通过长年累月的反复演奏，加工创造而成的。《二泉映月》是我国民间音乐的精华之一，现已在国内外广为流传。
据与阿炳同时代的、熟悉他的生活的乡邻们回忆，早在无锡被日寇侵占期间，就经常听到他在街头巷尾拉这首曲子，特别当夜阑人静的时候拉得最为动人。那时还没有曲名，直到1950年夏天，杨荫浏先生等人为他录音时，经过商榷才定名为《二泉映月》。
《二泉映月》含蓄、深情的旋律如泣如诉、如悲似怒，时而委婉低回，时而激越高亢，抒发了作者淤积在内心的幽愤、哀痛和对美好生活的向往。
五大名瓷
常说的“五大名瓷”是指宋代的五大名窑——钧窑、汝窑、官窑、哥窑、定窑所产的瓷器。
钧瓷以乳浊釉瓷为主，兼烧黑瓷及白地黑花瓷，以其“入窑一色，出窑万彩”的神奇“窑变”而闻名。器物多为鼎、洗、盆、盘、碗、瓶、人物、尊等。产品贵在窑变画，画为天然非人力所绘，有“钧瓷无双”之说。
汝瓷胎质细腻，工艺考究，以名贵玛瑙入釉，色泽独特，随光变幻。观其釉色，如雨后天蓝色的晴空，温润古朴；抚其釉面，平滑细腻，如同美玉。器表呈蝉翼纹般细小开片，釉下有稀疏气泡，在光照下时隐时现，似晨星闪烁，在胎与釉的结合处微现红晕，给人以赏心悦目的美感。汝瓷有着丰富的文化内涵，它古朴、典雅、凝静、大气，象征着纯洁、平安、吉祥和富贵。
官瓷有别于汝官瓷，窑址先在开封，后迁杭州。官瓷艺术上追求质朴无华、淡雅自然；胎骨坚薄；釉色翠美清新，腴润如脂；纹片纵横，飘逸流畅；“紫口铁足”是其独特名贵之处。
哥瓷产地不可考。瓷器的显著特点是通体满布开片，纹片大小相同，大片呈铁黑色，小片呈金黄色，有“金丝铁线”之称。开片是由于胎、釉的膨胀差异造成的釉面开裂，本是一种缺陷，但哥瓷却通过人工控制使其成为装饰特征，形成一种残缺美。
定瓷以白瓷著称，胎骨细腻洁白，又轻盈秀美。碗、盘制品的口沿大都包上金、银或铜，更显豪华尊贵，故称之为“金装定器”。
四大名绣
四大名绣是指苏绣、湘绣、粤绣和蜀绣。
苏绣作品的主要艺术特点为：山水能分远近之趣；楼阁具现深邃之体；人物能有瞻眺生动之情；花鸟能报绰约亲昵之态。
粤绣构图繁密热闹，色彩富丽夺目，施针简约，绣线较粗且松，针脚长短参差，针纹重叠微凸。常以凤凰、牡丹、松鹤、猿、鹿、鸡、鹅为题材。
蜀绣色彩鲜丽，用针工整、平齐光亮、丝路清晰、不加代笔，花纹边缘如同刀切一般齐整。蜀绣的纯观赏品相对较少，以日用品居多，多取材花鸟虫鱼、民间吉语和传统纹饰，颇具喜庆色彩。
湘绣多以国画为题材，形态生动逼真，风格豪放，曾有“绣花花生香，绣鸟能听声，绣虎能奔跑，绣人能传神”的美誉。湘绣人文画的配色特点以深浅灰和黑白为主，素雅如水墨画；湘绣日用品的色彩艳丽，图案纹饰的装饰性较强。
景泰蓝
景泰蓝又叫掐丝珐琅，是一种瓷铜结合的独特工艺。制作景泰蓝先要用紫铜制胎，再用扁细的铜丝在铜胎上粘出花纹图案，然后用色彩不同的珐琅釉料镶嵌填充在图案中。这道工序完成后才是反复烧结，磨光镀金。可以说，景泰蓝的制作工艺既运用了青铜工艺，又利用了瓷器工艺，同时又大量引进了传统绘画和雕刻技艺，堪称中国传统工艺的集大成者。
景泰蓝制品大的大到宗庙祭器、大厅屏风和板凳桌椅，小的小到筷子、耳环、糖罐、牙签筒和烟具等。它既为日常用品增添了艺术魅力，又使艺术品有了实用性。
梨园
戏曲界俗称梨园行，演员称梨园子弟。要问缘由，得从过去戏班供奉的祖师爷唐明皇，也就是唐玄宗李隆基谈起。据史载：“玄宗既知音律，又酷爱法曲，选坐部伎子弟三百人，教于梨园。声有误者，帝必觉而正之，号皇帝梨园弟子。”梨园在当时长安禁苑中，公元714年设“梨园亭”供乐工演奏乐曲，宫女习舞演唱，有会昌殿为玄宗亲自按乐之所。当时还设有宫内梨园法部、梨花园、太常系统的梨园别教院、洛阳梨园新院等，所以乐工多出梨园。梨园，实际为我国第一座国立戏曲学校，梨园，也就成了后世演艺界的代称。因玄宗善用羯鼓指挥乐队，后戏曲仍以司鼓板为乐队指挥，尊称“打鼓佬”，位于舞台九龙口，并供奉玄宗为戏曲界祖师，所属同行为梨园弟子，延续至今。
京剧
京剧是中国最大戏曲剧种，被称为国粹。
京剧是综合性表演艺术，其剧目之丰富、表演艺术家之多、剧团之多、观众之多、影响之深均为全国之冠。京剧集唱（歌唱）、念（念白）、做（表演）、打（武打）、舞（舞蹈）为一体，通过程式化的表演叙演故事刻画人物，表达喜、怒、哀、乐、惊、恐、悲等思想感情。京剧的角色可分为：生（男人）、旦（女人）、净（男人）、丑（男、女人皆有）四大行当。人物有忠奸、美丑、善恶之分，各个形象鲜明、栩栩如生。
历史上，京剧曾有皮黄、二黄、黄腔、京调、京戏、平剧、国剧等称谓。清朝乾隆五十五年（公元1790年）四大徽班进京后与北京剧坛的昆曲、汉剧等剧种相融汇。同治六年（公元1867年），京剧传到上海，受到普遍欢迎。光绪、宣统年间，更多的京角接踵去上海，因京班所唱皮黄更为动听，遂称之为“京调”，以示区别。其后因上海梨园整个被京班所掌握，于是正式称京皮黄为“京剧”。京剧之名始见于清光绪二年（公元1876年）的《申报》。民国十七年，国民革命军北伐后，北京改名北平，京剧改称“平剧”。
1919年，京剧表演艺术家梅兰芳率剧团赴日本演出，京剧艺术首次向海外传播。1924年，他再度率剧团到日本演出。1930年，梅兰芳又率由二十人组成的剧组到美国访问演出，取得很大成功。1934年，他应邀去欧洲访问，在苏联演出，受到欧洲戏剧界的重视。此后，世界各地把京剧看成中国的演剧学派。