倾听这首乐曲，纯朴的和声音型，就像远方传来故乡的风笛声；主题音调亲切而温存，但又充满惆怅与忧郁。在中间段落，乐曲有一阵戏剧性的高潮，不久，依然回复到隽永的悲歌音调之中。最后，在一个叹息般的下行的旋律音调不断模进中，出现了富有特征的降六音，进一步加深了乐曲哀婉惆怅的情绪。
钢琴之王：李斯特
李斯特·费伦茨是匈牙利著名作曲家、钢琴家、指挥家和音乐活动家，是浪漫主义音乐的主要代表人物之一，被人们誉为“钢琴之王”。他自幼随父学习钢琴，9岁就登台演奏。1821年，在匈牙利贵族资助下赴维也纳深造，师从车尔尼和萨列里学习钢琴和作曲。使他终生难忘的是贝多芬出席了他第二次音乐演奏会，并上台亲吻了这个12岁的小钢琴家，以示赞赏。
1823~1835年，李斯特在巴黎和音乐家肖邦、柏辽兹、帕格尼尼，画家德拉克洛瓦互相交往，思想上深受浪漫主义文学家拉马丁、雨果、海涅、乔治·桑，哲学家拉门内的濡染和圣西门空想社会主义的影响，思想与艺术逐渐走向成熟。1830年法国七月革命爆发，他深受鼓舞，写出了《革命交响曲》，之后又于1850年修改成交响诗《节日之声》。1834年，他创作了表现里昂工人起义的钢琴曲《里昂》。1837年，他与钢琴家塔尔贝格比赛获胜，声誉大增。从1839年起，他到欧洲各地旅行演出十载，足迹遍及匈、奥、德、法、英、罗、俄等国，大获成功。这一时期，他创作了大量爱国主义作品，如《匈牙利英雄进行曲》
《匈牙利风暴进行曲》，编写了民歌集《匈牙利民族曲调》，并在此基础上创作了著名的第一、第二首《匈牙利狂想曲》，以及具有民主思想倾向的男女合唱《铁匠》《士兵》《农夫》《水手》等。同时，为了演出需要，还创作了大批钢琴改编曲，其中以《魔王》《拉科奇进行曲》最为有名。1868年他移居德国魏玛，任魏玛宫廷乐长兼剧院指挥，创作了《匈牙利康塔塔》、钢琴曲《送葬的行列》、交响诗《英雄的葬礼》，以示对匈牙利革命的支持和革命失败后对烈士们的深切悼念。他在逐渐掌握管弦乐写作技巧的同时，首创了单乐章的标题交响诗，共写了13首这类体裁的作品。他这一时期的重要作品，还有带合唱的交响曲《但丁》《浮士德》和《第一钢琴协奏曲》《第二钢琴协奏曲》、13首《匈牙利狂想曲》《b小调奏鸣曲》等。
李斯特的主要创作领域是钢琴音乐和交响音乐，而他首创的交响诗体裁，将他的创作提高到了一个新的水平。1857年，李斯特在柏辽兹的启示下，写成交响曲《浮士德》，并于同年12月5日初演。而后又加修订，直到1880年才最后定稿。李斯特从歌德巨作《浮士德》中选取三个主要人物，构成三幅性格鲜明的《浮士德》诗剧人物的音乐肖像——浮士德、玛格丽特和梅菲斯特。交响曲由三个乐章组成，每个乐章描绘一个人物，并用人名为标题。
第一乐章“浮士德”，奏鸣曲式。其中用了五个表现浮士德性格特点的主题。第一个主题以增三和弦为基础，表现要想解开神秘世界之谜的浮士德的形象。第二个主题由双簧管呈示，以表现浮士德的爱情、激情和孤独感，表现对宏伟崇高事物的憧憬。乐曲转为快速度后出现的三个主题，分别表现浮士德的斗争、苦恼和英雄气概。
第二乐章“玛格丽特”。市民出身的少女玛格丽特纯真可爱，浮士德返老还童后与她恋爱，结果引起一场悲剧。用三部曲式构成的本乐章中，双簧管奏出的柔美的主题以表现玛格丽特天真烂漫、心地善良的形象。前乐章中浮士德的有些主题也在这里出现，为了表现他们相爱的种种场面。结尾时气氛幽静，浮士德沉醉在幸福的意境之中。
第三乐章“梅菲斯特”。这是诗剧《浮士德》中的魔鬼，他企图以爱情、欢乐和权力收买浮士德的灵魂，但最终失败了。快速度的音乐用戏谑的手法表现了否定一切的梅菲斯特的形象。在这里只有第二乐章表现玛格丽特的主题依然以原来的面貌再现，其他的主题都改变了面貌，成为富于戏剧性和有显著诙谐性特点的音乐。乐曲步步高涨后，强而有力地收束。合唱部分，则在高潮段落后用长号庄严地吹出合唱主题的音调，然后在管风琴的持续音和弦乐震音的衬托下，由男声合唱演唱诗剧《浮士德》第二部结尾处“神秘的合唱”的诗句。接着男高音独唱，并出现玛格丽特的主题。最后，源于浮士德第二个主题的音乐从低声区响起，步步高涨后结束。梅菲斯特的几个严肃主题在这里以嘲弄的形式出现，以体现梅菲斯特不只是“否定一切的精灵”，而且是浮士德性格中消极的一面。这个乐章最后，谐谑消尽后，乐队呈现出一派肃穆，管风琴加入后，又增添了庄严，于是以男生合唱与独唱结尾，歌词选自《浮士德》第二部浮士德赎罪一场：“一切无常有，只是一虚影；不可企及，在此事已成；不可名状者，在此以实有；永恒的女性，领导我们走。”
这部作品充分表达了李斯特的美学追求与音乐的制作倾向。
圆舞曲之王：约翰·施特劳斯
约翰·施特劳斯是奥地利小提琴家、指挥家、圆舞曲及其他维也纳轻音乐的多产作曲家。其父老约翰·施特劳斯也是圆舞曲等作品的名作曲家，著名的《拉杰茨基进行曲》出自他的笔下。约翰·施特劳斯1844年自办乐队，1849年与其父的乐队合并，巡回演出于奥地利、波兰、德国各地。指挥圣彼得堡的夏季公园音乐会与宫廷舞会。
约翰·施特劳斯作有轻歌剧16部、芭蕾舞剧1部及圆舞曲、波尔卡、加洛普等舞曲。最成功的歌剧是《蝙蝠》和《吉普赛男爵》。圆舞曲中有许多内容丰富、优美如画、堪称维也纳交响诗的佳作，著名的有《蓝色多瑙河》圆舞曲、《维也纳森林故事》圆舞曲、《艺术家的生涯》圆舞曲、《春之声》圆舞曲和《安娜波尔卡》等120余首，约翰·施特劳斯因此被后人冠以“圆舞曲之王”的头衔。
《蓝色多瑙河》圆舞曲当年曾传遍了世界各大城市，是作者最重要的代表作品。直至今日，这首乐曲仍然深受世界人民喜爱。在每年元旦维也纳举行的新年音乐会上，此曲甚至成了保留曲目。
该圆舞曲由序奏、五个圆舞曲和尾声组成：
序奏开始时，小提琴在A大调上奏出徐缓的振音，好像是多瑙河的水波在轻柔地翻动。在这个背景上，圆号吹奏出这首乐曲最重要的一个动机，它象征着黎明的到来。
第一圆舞曲描写了在多瑙河畔，陶醉在大自然中的人们翩翩起舞时的情景。
第二圆舞曲首先在D大调上出现，巧妙而富于变化的第二圆舞曲描写了南阿尔卑斯山下的小姑娘们，穿着鹅绒舞裙在欢快地跳舞；突然乐曲转为降B大调，富于变化的色彩显得格外动人。
第三圆舞曲属歌唱性旋律，这段音乐采用了切分节奏，给人以亲切新颖的感觉。
第四圆舞曲在开始时节奏比较自由，琶音上行的旋律美妙得连作曲家本人也很得意，仿佛春意盎然，沁人心脾。
第五圆舞曲是第四圆舞曲音乐情绪的继续和发展，只是转到A大调上。起伏、波浪式的旋律使人联想到在多瑙河上无忧无虑地荡舟时的情景。
接下去的部分，是全曲的高潮和结尾。乐曲的结尾有两种，一种是合唱型结尾，接在第五圆舞曲之后，很短。另一种是管弦乐曲结尾，较长，依次再现了第三圆舞曲、第四圆舞曲及第一圆舞曲的主题，最后结束在疾风骤雨式的狂欢气氛之中。
芭蕾与华尔兹
芭蕾
芭蕾是欧洲古典舞的统称，是一种有着严格规范的舞蹈。芭蕾孕育于文艺复兴时期意大利盛大的宴饮娱乐活动，17世纪形成于法国宫廷。18世纪中叶，法国芭蕾大师诺维尔出版了《舞蹈与舞剧书信集》，首先提出了“情节芭蕾”的主张，推动了芭蕾的革新浪潮，在他和其他许多演员、编导的持续努力下，终于使芭蕾分离出来，成为一门独立的剧场艺术；而浪漫主义芭蕾发展史上的“黄金时代”，无论是在舞蹈技巧、编导艺术方面，还是在演出形式方面，浪漫主义芭蕾都经历了一个灿烂辉煌的阶段。
超脱凡世的浪漫主义芭蕾
在18世纪与19世纪之交，“浪漫主义运动”在欧洲和北美洲兴起，艺术家们开始以感兴趣的民谣和民间传说作为创作的素材和借鉴，在创作上频繁地运用夸张的手法和华丽的词句。这些特点对芭蕾的题材和表演的发展方向有着很大的影响，同时也充满了浪漫主义的色彩，所以称之为“浪漫主义芭蕾”。
区别于传统的芭蕾，浪漫主义芭蕾不再着重表现神话传说和古代英雄故事中的人物，而是表现超凡脱俗的仙女和隔绝人寰的幽灵，反映出了一种对现实的不满的失望情绪，一种追求超越尘世的对另一世界的向往。随着演出形式由业余走向专业化，专业芭蕾演员应运而生，逐渐取代了贵族业余演员。而浪漫主义芭蕾已发展到在剧场演出，成了以舞蹈为主体，熔音乐、文学、舞美、戏剧等于一炉的综合表演艺术。各地相继成立专业芭蕾艺术演出团体。芭蕾演员的专业化，尤其是女演员在演出中的关键作用，使舞蹈技艺得以迅速提高。从19世纪20年代起，脚尖舞技巧越来越广泛地被采用，成为女舞蹈家表现手段的一个重要因素，双人舞的托举技巧也开始发展，增强了芭蕾技巧的难度，但艺术表现力却得到了进一步的丰富、拓展和提高。为适应剧场演出需要，芭蕾服装不断改进，如男演员改穿希腊式长袍，有的舞剧人物也穿民间服装，女演员改穿剪短了的舞裙。直到19世纪上半叶，浪漫主义舞蹈家塔利奥妮等人彻底加以改革，使用专门的芭蕾舞裙。这是一种长裙，由几层薄纱打褶重叠而成，第一次用于1839年演出的《仙女》中；后进一步改成短舞裙，上身则是紧身胸衣与之相连接。
19世纪，涌现了不少浪漫主义芭蕾的杰出的表演艺术家，他们对芭蕾艺术的发展作出了不可磨灭的贡献。
浪漫主义芭蕾的辉煌成就
生于斯德哥尔摩的玛丽·塔利奥妮是意大利杰出的芭蕾舞女演员。她自幼随父菲利普·塔利奥尼学习舞蹈。塔利奥妮是个瘦身材、圆肩膀、面孔不漂亮的姑娘，其父对她进行严格几乎近于残酷的芭蕾舞训练，企望她能掌握高超的技巧，以此来弥补外形上的先天不足。为了提高她的表现力，其父还专门加强了她弹跳、升跃技巧的训练，扬长避短，为她找到了一种恬静、优雅、轻盈的浪漫主义抒情风格，使她的舞蹈具有与众不同的魅力。1822年，18岁的塔利奥妮在维也纳首次登台演出，便一鸣惊人。
1832年，塔利奥妮主演了《仙女》，引起极大轰动。舞台上，仙女——塔利奥妮身穿一件洁白的重叠数层的薄纱裙，裸露着脖子和双臂出现在人们面前。
她的脖颈上系着一条美丽的项链，背上装饰着轻巧的小翅膀。由于当时已采用了瓦斯灯照明，蓝眼睛、黑弯眉、红嘴唇的塔利奥妮显得那样光彩夺目。观众顷刻间便被这新奇的服饰和化妆吸引住了。演出时，塔利奥妮先穿着软底鞋表演，后来即改用足尖舞蹈，她那轻飘的衣裙，模仿飞翔的舞姿，犹如上帝派遣的天使一般美妙！观众如痴如醉地沉浸在奇特的幻想世界中，全然忘记了台上只是一位女演员在舞蹈。
塔利奥妮在演出《仙女》时，首创了剪短了的钟形透明薄纱舞裙，有利于女演员舞蹈技巧的充分发挥，她的足尖舞蹈技巧的娴熟运用，更是大大丰富了芭蕾女演员的舞蹈语汇，从而开创了浪漫主义的表演新风格。当时，舆论界给予了塔利奥妮主演的《仙女》以极高的赞誉。伟大的文豪维克多·雨果向塔利奥妮赠书题词：“献给你那神奇的足，献给你那美妙的翼！”自《仙女》一剧始，塔利奥妮形成了她轻盈飘逸的跳跃、诗意典雅的造型等艺术特点。《仙女》是浪漫主义芭蕾舞剧的开端作品，显示了舞剧创作题材的重大转变，提供了“现实与非现实、人间与非人间”两方面同时并存于一部舞剧中的结构形式，同时还大量使用了以西班牙、波兰、意大利民间舞蹈步伐为素材的地面舞蹈语汇，从而创造了符合剧情要求真实而热烈的氛围。它的成功演出，标志着芭蕾已进入到其历史上的黄金时代——浪漫主义时期。《仙女》由塔利奥妮首演后的第四年，即1836年，丹麦芭蕾大师布农维尔根据另一位作曲家的音乐，也编导了同名舞剧《仙女》。
在这个版本中，既吸收、借鉴了塔利奥妮演出中的优点，又加重了男子舞蹈中的分量。后来这个版本在世界各地广泛流传，成为了浪漫芭蕾的经典传世之作。
18世纪中叶，芭蕾传入美国。到19世纪，美国出现了好几位卓有成就的芭蕾演员。奥古斯特·梅伍德1837年在她的故乡费城首次演出，一鸣惊人；两年后，她成为舞蹈圣地巴黎歌剧院第一位美国芭蕾女主角，那时她才15岁。后来她担任巴黎歌剧院首席芭蕾女主角，享誉二十余年。玛丽·安·李于1839年初次登台，以后演了一连串芭蕾舞剧，《吉赛尔》就是由她介绍到美国的。她的出色表演使她享有“美国芭蕾舞娘”的声誉。乔治·史密斯是美国造就的第一位男芭蕾主角，他在《吉赛尔》《多瑙河的女孩》中的出色表演，使他赢得了当时“美国最杰出的芭蕾男明星”的崇高声望。
从19世纪下半叶开始，西欧的浪漫主义芭蕾走向衰落，欧洲芭蕾的中心逐渐移到俄国。从40年代起，外国舞蹈家们频繁访俄，塔利奥妮父女、佩罗、圣—列翁等人的表演和编导活动，特别是布农维尔的学生约翰逊和布拉西斯的教学活动，向俄罗斯舞蹈界传授了法、意两大芭蕾派的精华，从而逐渐形成了新的芭蕾学派——俄罗斯学派。俄罗斯的芭蕾舞剧《堂吉诃德》《舞姬》《天鹅湖》《睡美人》《胡桃夹子》等一大批优秀剧目，将浪漫主义芭蕾推向了新的高峰。
华尔兹
华尔兹又名“圆舞曲”，这是因为华尔兹在整个舞蹈过程中，大部分都在不停地旋转。华尔兹来源于欧洲，是欧洲的一种土风舞，到了18世纪，华尔兹成为极流行的社交舞厅舞。华尔兹无论舞步与乐曲，都和其他舞步有显著的不同之处，主要区别是华尔兹是三拍子的舞步，所以有人称之为快三步舞或慢三步。华尔兹舞曲轻快，明朗而动人，舞步也是如此，令人有飘飘欲仙的感觉，比其他舞步更有诗意，更温文尔雅。这也是华尔兹能流行百年而成为标准的主要原因。
华尔兹的产生和流行
“华尔兹”一词，是在18世纪末期出现的。而三拍子“蓬嚓嚓”节奏的圆舞曲则很早之前就流行于欧洲，特别是在德国巴伐利亚和奥地利维也纳一带的农民中；至于华尔兹类型的舞曲，则早在17世纪就演奏于哈普斯堡的皇家舞会上。